狂乱の美学~ルチア、サロメ、ジゼル、Aesthetics of madness

『ルチア』セットプランより

男たちによってこれ以上生きられないほどに追い詰められ、衆目の面前でむき出しの錯乱状態に陥ったヒロインの姿が描かれるシーンが、かつて大流行した時代があった。1830年代のヨーロッパ、ベル・カント・オペラの時代である。それはいつしか「 狂乱の場」 (Mad Scene) と呼ばれるようになり、時代を超えた究極の表現様式として、愛されるようになっていく。その象徴とも言えるのが、オペラ『 ルチア』であり、バレエ 『ジゼル』である。

どちらのヒロインも、雷に打たれたように不幸のどん底に陥った状態において、恋人との幸福だった過去をすがりつくように回想する。その破滅の痛々しさが、両者の狂乱の場の共通傾向でもある。

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新国立劇場で『 ルチア』を新演出するジャン=ルイ・グリンダは、「サロメやルルなどに見られるような20世紀の多様な狂乱の場は、それぞれの時代の人々の思いを反映していますし、モンテヴェルディが作曲した『 オルフェオ』 にさえ狂乱の世界を見ることができます」としつつも、その原点としてオペラ 『ルチア』と、バレエ 『ジゼル』を並べてこう語る。「興味深いのは、 ルチアもジゼルも、狂乱しているときには、コミュニケーションが取れないということ。なぜ叫んでいるのか周囲の人々は理解できない。つまり狂乱とは、”意思疎通との断絶”なのです。

1830年代、狂乱は流行のテーマでした。当時は、ナポレオン戦争の傷跡によってヨーロッパ全域が苦しい状態にありましたから、人々は心に深く突き刺さる、今までにない新しいものを求めていました。この状況は、他の戦争の後にも起きた現象で、1920年代、30年代もまた狂乱の時代と言えるでしょう。凝り固まった考えの否定、心の思うままの自由な表現としてのロマンティシズムは本質的に”この時代”と限定することのできないものです」

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『ルチア』イメージ画:Jorge JARA

舞踊芸術監督の大原永子はこう語る。「ジゼルの狂乱の表現で大事なのは目です。視線が宙を見ていて……つまり何も見ていないこと。ところが、ふと母親にだけはパッと気が付く。そしてワッとお母さん!と抱きつく、その変化が重要なのです」

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バレエ『ジゼル』(2013年)

演劇で、ロマンティシズムの流れにある狂乱の場を探してみると、新国立劇場では『 サロメ』 (2012年、平野啓一郎訳、宮本亜門演出) が思い出される。月が象徴する狂気、猟奇的な背徳性のみならず、少女サロメの「 愛の神秘は死の神秘よりも大きいの」という最後のセリフに象徴されるような、” 精神的な純粋さ”や”赤裸々”もまた、狂乱の欠かせない要素である。

ジャンルも時代も越えたさまざまな狂乱の美学のあり方を、皆さんも探してみてはいかがだろうか?

 

【コラム 1】

ルチア Lucia di Lammermoor

ガエターノ・ドニゼッティ作曲、ウォルター・スコット原作、サルヴァトーレ・カンマラーノ台本、1835 年ナポリ初演。正式名称は『ランメルモールのルチア』。政略結婚によって恋人との仲を引き裂かれた17 世紀スコットランドの貴族の娘の悲劇を題材としたオペラ。「狂乱の場」は超絶技巧のソプラノの見せ場として知られていたが、血なまぐさい錯乱とあふれ出る真情の場面として解釈したマリア・カラス(1923-77)の歌唱以来、上演されるたびに新たな衝撃を人々に与え続けている。2017 年3 月の新国立劇場では、“ ベルカントの新女王” オルガ・ペレチャッコの初登場に期待が高まっている。

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ルチア役のオルガ・ペレチャッコ

 

【コラム 2】

Key person1 ウォルター・スコット Sir Walt er Scott,

『ルチア』の原作小説「ランマームーアの花嫁」の著者。この作品が当時流行した背景には、スコットランドの異国情緒豊かな城や荒野や海や霧が、当時の感受性豊かなロマンティシズムと合致していたことが挙げられる。若者の心を描いていたことも大切で、すでにゲーテの「 若きウェルテルの悩み」が全ヨーロッパを席巻したことともつながっている。

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【コラム 3】

ジゼル Giselle

アドルフ・アダン作曲、テオフィル・ゴーティエ他台本、ジャン・コラリ、ジュール・ペロー原振付、1841 年パリ初演。マリウス・プティパ改訂振付。ロマンティック・バレエ(ロマン主義のバレエ)の名作であり、ダンサーがポワント(つま先立ち)で踊るようになった最初期の作品でもある。村娘ジゼルの悲劇と錯乱を描いた第1 幕、森の不吉な精霊ウィリの一人となりながら、裏切った恋人アルベルトを死してなおも守ろうとするジゼルの優しさが際立つ第2 幕と、完璧な構成。その本質は狂気と幻想の優雅な表現にあり、すべての舞台好きが一度は観るべき、まさに聖なるバレエである。

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バレエ『ジゼル』(2013年)

 

【コラム 4】

サロメ Salome

オスカー・ワイルド作。名女優サラ・ベルナールを念頭にフランス語で当初書かれた。ユダヤ王ヘロデの前で裸で踊る姫サロメが、褒美に預言者ヨカナーンの首を所望し、その生首にキスをするという猟奇的物語。聖書に登場する人物を題材にしたポルノグラフィーだったことが災いして上演禁止となるが、ワイルドが獄中にあった1896 年、パリ初演。ドイツでは作曲家リヒャルト・シュトラウスがオペラ化して1905 年初演。日本では1913 年に芸術座が松井須磨子主演で初演。ビアズリーが描いた英訳版の耽美的挿画は(ワイルド自身は好まなかったが)、広く人気を博した。

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オペラ『サロメ』(2016年)

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演劇『サロメ』公演チラシ(2012年)

 

【コラム 5】

Key person2 カスパー・ダーヴィト・フリードリヒ Caspar David Friedrich

ロマンティシズムの象徴として重要なのが、ドイツの画家カスパー・ダーヴィト・フリードリヒ(1774-1840) である。代表作「雲海の上の旅人」に見られるように、雲、海、霧、岩山の神秘的イメージが多い。

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「雲海の上の旅人」の図版

 

【コラム 6】

Key person 3 ノヴァーリス Novalis

19 世紀ドイツの詩人ノヴァーリス(1772-1801)の言葉「ロマンティシズムのプロセスは、世界の理想化のプロセスだ」について、演出家グリンダはこう説明する。「これは、合理主義とは相反していることを意味しています。合理主義とは、そうあるべきものを表すのに対し、ロマンティシズムは人々に夢を与えるものだと言っているのですから、それはまさに世界の理想化ですよね」

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取材・文:林田直樹(はやしだ・なおき)

音楽ジャーナリスト・評論家。音楽之友社で楽譜・書籍・月刊誌「音楽の友」「レコード芸術」の編集を経て独立。オペラ、バレエから現代音楽やクロスオーバーまで、幅広い分野で取材・著述活動を行う。月刊誌「サライ」(小学館)に「今月の3 枚」を連載中。インターネットラジオカフェフィガロ」パーソナリティ、「OTTAVA」プレゼンター。

 

 

ロマンティシズムを知るためのおすすめ3本

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「狂乱の場」マリア・カラス(ソプラノ)

WPCS-12943ワーナーミュージック

伝説の歌姫が名プロデューサーのワルター・レッグと組んだ歴史的名盤。カラスは「ベル・カントの本当の意味を知っているのは、世界中で私とレッグの二人だけ」とまで述べている。ドニゼッティ『アンナ・ボレーナ』、ベッリーニ『海賊』他の狂乱の場を収録。

 

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「若きウェルテルの悩み」ゲーテ

岩波文庫・新潮文庫・イースト・プレス(まんがで読破)

初版は1774 年。親友のいいなずけロッテに対するウェルテルのひたむきな愛とその破局を描いた書簡体小説。ゲーテ25歳のときの作品だが、彼自身の若き日の情感や不安、絶望が吐露さている不朽の名作。片思い中の男子ならずとも女性もぜひ。

 

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「レ・ミゼラブル」ヴィクトル・ユゴー

角川文庫(上・下)・新潮文庫(1〜5)・岩波文庫(1〜4)・ちくま文庫(1〜5)

1862 年に執筆。ミュージカルや映画でおなじみだが、ジャン・ヴァルジャンの生涯だけではない、19 世紀前半の革命と政変で混乱するフランス社会と民衆を背景に真実の愛を描いたロマン主義フランスの大河小説。そのクライマックスは、まさに「ああ無情」。

 

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演劇『ヘンリー四世』佐藤B作 インタビュー

佐藤B作 演劇『ヘンリー四世』フォールスタッフ役

フォールスタッフという人間は実に面白い。でも何なんですかね、この親父は。自分のことしか考えていない、わがままな人間ですが、そういうわがまま加減が魅力的に映るよに演じるのが稽古中の課題で、「何だ、あいつは」ではなく、お客さまがフォールスタッフという人間に惹かれるにはどうしたらいいか……。山登りに例えれば、初めてのシェイクスピア作品で、無防備な状態で登り始め、シェイクスピアという山の何合目まで登れるか。登ったら登ったで頂上はもっと先にまだあるんでしょうけど、どこまで登れるか挑戦する舞台になりそうです。第一部・第二部と膨大な台詞量ですが、これがうまくいったらすごく嬉しいですね。

 

 

シェイクスピア、その多様性と深さ オペラ、バレエ、演劇で考察する!

生涯に37を超す戯曲を書き、4世紀にわたってさまざまな形態での上演が世界中で行われてきたウィリアム・シェイクスピア(1564-1616年)は、演劇もオペラもバレエも、ジャンルの壁を超えて自在に楽しめるようになるための、最大の鍵である。ではなぜこれほどまでに、シェイクスピアは魅惑的なのだろうか?

 

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鵜山仁

「それは、いろんな人間が出てくるからですね。いろんな人間の声が聞けて、いろんな表情が見える。生命体が生き残っていくために重要なのは、「多様性」なんだそうです。そういった意味でも、異なったものの見方、考え方、異なる体質がぶつかり合うことが、人間のエネルギーの源泉なんじゃないか。それを舞台上でコンパクトに表現しているのがシェイクスピアなんじゃないでしょうか。いい奴も悪い奴も、きれいなことも汚いことも、ごった煮になっている面白さ」
新国立劇場・演劇『ヘンリー四世』二部作の演出を担当する鵜山仁は、そう語る。こうしたシェイクスピアの歴史劇は、「ごった煮」の世界観がある意味一番出ているのだという。ちなみにこの劇には、ヴェルディのオペラ『ファルスタッフ』の原型となった登場人物フォールスタッフ(鵜山によれば、「蓮の下の泥のような」善悪を超えた存在)が登場する。オペラ・ファンならぜひとも観ておきたい作品でもあるのだ。今回の『 ヘンリー四世』ではシェイクスピアと同時代に活躍した作曲家ウィリアム・バードの楽曲をはじめ、多様な様式の英国の音楽が使われるというのも楽しみだ。

オペラの世界にもシェイクスピアは巨大な影響を与えているが、なかでも彼を芸術上の「お父さん」と呼んで憚らなかったのが、『マクベス』『オテロ』『ファルスタッフ』をオペラ化した、イタリアの大作曲家ヴェルディである。

 

新国立劇場・オペラ『オテロ』の演出家マリオ・マルトーネは、演劇や映画の分野でも活躍する人だが、2009 年の初演時にこう述べている。

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マリオ・マルトーネ

「芝居畑の人間から見ると、コンチェルタート(ソリスト陣と合唱団との大アンサンブル)とは、普通のお芝居では得られぬ“ 好機” です。(中略)たくさんの人々が様々な内容を同時に喋っている姿を演出するのは、まさに演出家冥利に尽きることです」

 

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ジョナサン・ミラー

ヴェルディのオペラではこうした声の多層性が大きな特徴となっているが、それはシェイクスピア的な劇空間の特徴でもある。2004 年に新国立劇場・オペラ『ファルスタッフ』を演出したジョナサン・ミラーは、その演出ノートにおいて、共同体の掟を破った個人に対して向けられる嘲りやいやがらせという「社会的しきたり」について注意を促している。はみ出し者と社会との関係、民衆の生活が描かれたという点でも、シェイクスピアとヴェルディは深いところで結びついているのだ。

 

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「ロメオとジュリエット」小野絢子・福岡雄大

最後に、10 月末から11 月初旬にかけての新国立劇場でのバレエ『ロメオとジュリエット』(マクミラン振付)の稽古を見学しての印象をここに記させていただくなら、あれは声なき声が聞こえるバレエ、言葉のない演劇そのものだという実感であった。決してただの踊りではない。すべての所作の背景に台詞が感じられるのだ。
その背景となっているプロコフィエフの音楽について、今は亡き傑出したオペラ指揮者アバドが「洗練された世界と世俗的な世界、皮肉を含んだ悲劇、そうしたものが織り合わされてできたような対照的な諸相」と述べていたことを紹介しておきたい。とりわけ「皮肉を含んだ悲劇」という指摘は、多くのバレエ・ファン、演劇ファンが膝を打つところではないだろうか?
さまざまなジャンルからぜひ、多角的にシェイクスピアを楽しんでみたい。

 

文:林田直樹(はやしだ・なおき)
音楽ジャーナリスト・評論家。音楽之友社で楽譜・書籍・月刊誌「音楽の友」「レコード芸術」の編集を経て独立。オペラ、バレエから現代音楽やクロスオーバーまで、幅広い分野で取材・著述活動を行う。月刊誌「サライ」(小学館)に「今月の3 枚」を連載中。インターネットラジオ「カフェフィガロ」パーソナリティ、「OTTAVA」プレゼンター。

 

振付のケネス・マクミランをもっと深く知るために

ケネス・マクミラン

~観客が登場人物の運命に没頭してしまうようなバレエを創りたい。~マクミラン・インタビュー《ケネス・マクミラン公式サイト》より

 

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全3 幕13 場の『ロメオとジュリエット』はマクミランが振り付けた初めての全幕バレエで、1965 年2月に英国ロイヤル・バレエにて当時の大スター、マーゴ・フォンテインとルドルフ・ヌレエフ主演で初演された。ガラ公演として上演され、初日のカーテンコールが43回40分に及ぶというセンセーショナルな成功を収める。時にマクミラン、35 歳のことであった。

マクミランは英国ロイヤル・バレエの礎を築いたニネット・ド・ヴァロワ、フレデリック・アシュトンに続く第二世代として知られる。マクミランはそれまでのバレエの表現に飽きたらず、リアリティや登場人物たちの感情が存分に表現されるようなバレエを創ろうとしていた。1940 ~1950 年代には彼は英国のバレエより初期のローラン・プティ振付作品などフランスのバレエ、アメリカのジェローム・ロビンス作品や英国演劇のジョン・オズボーンの舞台に傾倒した。特にオズボーンを賞賛し、社会現象にまでなった『怒りをこめてふり返れ』の感情表現に深い感銘を受けている。

~チューダーと私の大きな違いは、彼は常に感情を押し殺す。とても英国的だ。それに対し、私のバレエは登場人物の感情は動きで全て外に向かって表現される。だから観客は私のバレエを見ると居心地が悪いだろうと思う。~マクミラン・インタビュー《ケネス・マクミラン公式サイト》より

 

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このバレエ『ロメオとジュリエット』は原作のシェイクスピア戯曲からはもちろんだが、15 世紀イタリアの絵画や建築からもインスピレーションを得ている。同様に1960 年英国演劇の頂点だったオールド・ヴィック劇場でフランコ・ゼッフィレッリが演出し、当時25 歳だったジュディ・デンチがジュリエットを演じたシェイクスピア劇『ロミオとジュリエット』からも大きなインスピレーションを得ている。ゼッフィレッリが初めてプロとして演出したシェイクスピア演劇作品で、これまでの伝統を覆した演出─リアリティを追求した─で賛否両論を巻き起こしていた。

かくしてこのマクミランのバレエ『ロメオとジュリエット』では、不幸な星の下に生まれた若い恋人たちの感情が、ダンサーの身体を通して余すところなく雄弁かつ繊細に語られる作品となった。

また、それまでのバレエでは表現されることが少なかった苦悩、怒り、憎しみといった負の感情、死なども美化されることも隠されることもなく描かれている。それ故、リアルでドラマティックなマクミランのこのバレエは今なお見る者の魂を深く揺さぶるのだ。

 

参考文献:ケネス・マクミラン公式サイト、『ゼッフィレッリ自伝』(創元ライブラリ)

 

「シェイクスピアと私」について! 浦井健治、小野絢子、米沢唯が語る

浦井健治(新国立劇場演劇「ヘンリー六世」主演)

Q.もし目の前にシェイクスピアがいたら?

「シェイクスピアさんの声がどんな声だったのか聞いてみたいです」

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浦井健治

今回『ヘンリー四世』で僕が演じる皇太子ヘンリーは、以前やったヘンリー六世と同じ血が流れているとは思えないほど、まったく異なる人物。王になっていく成長過程でずっと葛藤していて、善悪ではないフラストレーションがあるんです。フォールスタッフから感じる人間の熱気も善悪から出るエネルギーではなく、人間との交わりで輝くエネルギー。皇太子ヘンリーも無意識のうちに学んでいると感じます。『ヘンリー六世』からの7年の蓄積を活かし、がんばります!

 

浦井健治一分間インタビュー「シェイクスピア」

 

小野絢子(新国立劇場バレエ団プリンシパル)

Q.もし目の前にシェイクスピアがいたら?

「絶望しかないジュリエットに、せめて、何か救いを!」

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小野絢子

シェイクスピアほど人間を深く掘り下げた人はいないんじゃないでしょうか。たとえば『ヴェニスの商人』のポーシャだったら、みんなは気づいていないけど、実は賢い女性だとわかったり、人間のあらゆる面をみせてくれるところがすごい。それと『お気に召すまま』の「この世はすべて舞台で、男も女もその役者に過ぎない」という台詞も奥が深いですよね。人生の主役は自分で、生きていること自体が演じていることという含みも感じます。

 

小野絢子「シェイクスピア」インタビュー動画

 

米沢 唯(新国立劇場バレエ団プリンシパル)

Q.もし目の前にシェイクスピアがいたら?

「この時代に作品を書くなら、どんな作品を書きますか?」

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米沢 唯

バレエでシェイクスピア作品を演じるということは、あの戯曲の素晴らしい「ことば」に頼れないということです。言葉になる前の感情をどう表現するか。数百年経っても変わらない、人間の根源的な「悲しみ」と、この世の幸せ不幸せの賑々しさを、踊れたらなと思います。

 

バレエ団・米沢唯「シェイクスピア」インタビュー動画

 

翻訳家・演劇評論家松岡和子さんがお薦めのシェイクスピア関連本3冊

1 「シェイクスピアの正体」 河合祥一郎著 [新潮文庫]osusume1

堅苦しくなく、お勉強というわけでもなく、でも必要最小限の情報も入っていて、おもしろく読めます。シェイクスピアには別人説がいろいろありますが、それらがすべて網羅されていて、どういう人がどんな理由で、あるいは、実はこの人が戯曲を書いて、シェイクスピアは名前だけだったとか……。でも最終的には残念! みんな違うんです。やっぱりストラトフォード生まれの役者シェイクスピアが、作者シェイクスピアだというところに落ち着くわけですが、そのあたりが興味津々、シェイスピアがどういう人だったか、よくわかります。

 

2 「シェイクスピアはわれらの同時代人」 ヤン・コット著 蜂谷昭雄・喜志哲雄訳[白水社]

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ポーランドの学者が著した、この本ほど現代の世界中のシェイクスピア上演に影響を与えた本はないと思います。日本語版初版は1968 年ですが、序文に「英語ならぬシェイクスピアは必ずまず演劇であって、然るのちにやっとテキストになる。ポーランド語で語り、イタリア語で語り、また日本語で語る。英語ならぬシェイクスピアは国民劇となる」、つまり、どんな顔や衣裳であろうと日本語でしゃべれば“ 日本の演劇” になっちゃうということです。私がシェイクスピアを訳し始めて23 年、いま自分でようやく到達した認識がこれなんです。

 

3 「深読みシェイクスピア」 松岡和子著[新潮文庫]

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これまで32本のシェイクスピア戯曲を翻訳してきましたが、翻訳者として、ちょっと取り柄があるかなというのは、稽古場に日参し、役者さんとのやりとりを通し、また、演出家のリクエストに応えるとか、私自身が現場で気づく……、そういうプロセスを体験できているということだと思うんです。稽古場でこそ戯曲の翻訳は完成するという、その証明みたいな本です。書斎で訳しているだけでは気づかなかったことを、俳優さんや演出家が教えてくれる、そんな現場の声を通した深い読み方を読者と共有できれば嬉しいと思います。(松岡和子)

 

こんなところにもシェイクスピア!耳で聴くシェイクスピア

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バロック初期から近現代まで4世紀、16人以上もの作曲家たちによるシェイクスピア歌曲集。文豪自身が書いた劇中歌の英語の響きを、音楽とともに楽しめる。注目すべきは、「With a hey, and a ho, and a hey nonino」といった擬態語・擬声語のリズムが多くあることで、それ自体ユーモラスな、謎めいた、呪文のような効果を上げている。英国の名テノール、イアン・ボストリッジの生き生きとした、透明で柔らかい歌に加え、ロイヤル・オペラ音楽監督として活躍するアントニオ・パッパーノのピアノも劇的で雄弁。(林田直樹)